A sua produção artística assenta num conjunto reduzido de temáticas: as que preferiu e trabalhou ao longo de toda a carreira foram o retrato, a paisagem e as cenas intimistas do quotidiano doméstico. Os motivos para as suas pinturas, além do seu próprio rosto, procurava-os no universo familiar, fonte inesgotável de inspiração: as pessoas, os recantos da casa, os aspetos do jardim, os trechos de paisagem com o rio ao fundo.

É da autoria de Aurélia de Souza uma das obras de referência da arte portuguesa na viragem dos dois séculos: o Autorretrato da coleção do Museu Nacional Soares dos Reis realizado por volta de 1900. Morre no Porto em 1922, com 55 anos.

Aurélia de Souza é uma das poucas mulheres portuguesas que tem, por direito próprio, lugar na galeria dos grandes pintores portugueses da segunda metade do século XIX, a par de artistas de renome como Marques de Oliveira, Henrique Pousão ou António Carneiro.

Legendas das imagens @Museu Nacional Soares dos Reis

Óleo sobre tela ‘A tigela partida’, de Silva Porto | Óleo sobre tela ‘Cabeça de rapariga’, de Marques de Oliveira | Óleo sobre papel colado em madeira ‘Cabeça de Velha’, de Augusto Roquemont | Óleo sobre tela ‘Cecília’, de Henrique Pousão | Óleo sobre madeira ‘Costume de campanha romana (Napolitana)’, de Silva Porto | Óleo sobre madeira ‘Costume de Capri (Cabeça)’, de Silva Porto | Óleo sobre tela ‘Cuidados de amor’, de José Malhoa | Óleo sobre madeira ‘Napolitana’, de Marques de Oliveira | Óleo sobre madeira ‘Lavadeira’, de Artur Loureiro | Óleo sobre madeira ‘Raparigas minhotas’, de Agostinho Salgado | Óleo sobre tela ‘Figura de Senhora com flores’, de João Augusto Ribeiro | Óleo sobre tela ‘Auto-Retrato’, de Aurélia de Souza

Este sábado, os participantes ficaram a conhecer melhor a unidade hoteleira, localizada no Bonfim, através da apresentação dos Arquitetos Aliados, Susana Leite e Luís Barbosa, e que contou também com a participação do vereador do Urbanismo e Espaço Público, Pedro Baganha. Divididos em dois grupos, por questões de logística e eficácia da visita, conheceram um edifício, outrora uma fábrica de componentes elétricos, reconvertido num espaço múltiplo, tendo como programa base o alojamento orientado para o universo musical.

Após a visita, o programa prosseguiu com uma conversa sobre “turismo e cultura como ativos da cidade”. No debate participaram, para além dos arquitetos do M.Ou.Co, a vereadora do Turismo e Internacionalização, Catarina Santos Cunha, o arquiteto João Paulo Rapagão, e o diretor do Coliseu Porto Ageas, Miguel Guedes. O debate foi moderado pelo diretor do Museu Nacional Soares dos Reis, António Ponte.

“Porto de Arquitetura” é um programa desenvolvido, em conjunto, pela Câmara Municipal do Porto e a Casa da Arquitectura. Entre fevereiro e julho, oito edifícios da cidade, representativos da mais recente arquitetura contemporânea, vão ser alvo de visitas gratuitas e abertas ao público mediante inscrição prévia.

Todas as visitas são guiadas pelos arquitetos autores das obras e começam sempre às 16 horas. No final de cada visita, haverá lugar a uma conversa com um conjunto de personalidades ligadas às obras.

Mais informação aqui.

Créditos: Câmara Municipal do Porto @Andreia Merca e @Nuno Coelho

A Casa-Museu Fernando de Castro será palco do próximo programa ‘Hora dos Portugueses’, emitido pela RTP 1 e RTP Internacional. Apresentado por Jorge Gabriel, o programa será exibido no sábado de manhã, dia 9 março.

‘Hora dos Portugueses’ é um magazine semanal com diferentes olhares, junto de comunidades de portugueses espalhados pelo mundo, para retratar as atuais formas de viver a portugalidade nos diferentes territórios e reconhecer os feitos e conquistas dos portugueses emigrantes.

A Casa-Museu Fernando de Castro foi a residência de uma família de colecionadores dedicada à Pintura, Escultura e Artes Decorativas.

Coube à última herdeira, Maria da Luz de Araújo Castro, fazer a doação ao Estado do imóvel e recheio cumprindo postumamente o desejo do seu irmão, Fernando de Castro, em fundar um museu público. Por decreto de 15 dezembro de 1951, a Casa-Museu Fernando de Castro foi classificada e anexada ao Museu Nacional Soares dos Reis.

O acervo da Casa-Museu Fernando de Castro é composto por diferentes coleções reunidas ao longo de várias décadas. É constituído, maioritariamente, por arte religiosa com representações eruditas e de cariz popular, pintura naturalista portuguesa e artes decorativas.

Destaca-se, ainda, um interessante núcleo de caricaturas e alguns livros da autoria de Fernando de Castro, colecionador, artista e poeta. No essencial, a disposição dos objetos pelas salas é bastante fiel à deixada pela sua irmã, Maria da Luz.

Fernando de Castro (Sé, 26 nov. 1888 – Paranhos, 7 out. 1946) foi um colecionador e empresário portuense reconhecido pela sua veia poética manifesta em publicações, com gosto pela leitura e inclinação para o desenho tendo criado várias séries de caricaturas.

Fernando de Castro viveu na rua das Flores junto da loja do pai, cujo negócio prosperou em vidros, espelhos e papéis pintados. Entre 1893-1908, o empresário empenhou-se na construção de uma nova casa situada na rua de Costa Cabral.

Desde cedo, Fernando de Castro cresceu dentro de um imaginário pleno de figuras de estilo e de ícones, em particular no que diz respeito ao mobiliário e recheio da casa de Costa Cabral— património que conservou e respeitou após a morte do pai em 1918.

Na idade adulta, desenvolveu os seus interesses culturais num círculo de amigos ligados aos negócios e com um gosto particular pelas artes e letras. Terá sido após a morte da mãe em 1925 que Fernando de Castro fez novas aquisições de peças.

A Casa-Museu Fernando de Castro é administrada pelo Museu Nacional Soares dos Reis desde 1952. As visitas estão sujeitas a marcação prévia. Saiba mais aqui.

O projeto GEO-SR visou o estudo de 35 esculturas de Soares dos Reis, no sentido de colmatar uma lacuna profunda de conhecimento científico e tecnológico respeitante às componentes materiais, conservativas e simbólicas da escultura geomaterial europeia do século XIX.

Liderado pela Universidade Católica Portuguesa, o projeto contou com participação da Universidade de Aveiro (GeoBioTec), Universidade do Minho (Centro de Física) e Museu Nacional Soares dos Reis.

De entre os autores publicados na Revista ECR, destacamos duas técnicas superiores doutoradas do Museu Nacional Soares dos Reis, e ainda três conservadoras-restauradoras de escultura do Laboratório José de Figueiredo.

Lista dos artigos publicados

– António Soares dos Reis and Augustus Saint-Gaudens: an artistic friendship
Thayer Tolles (6-21)

– Soares dos Reis’ plaster models: technical production and the challenge of the conservation and restoration
Elsa Murta, Michèle Portela, Inês Sardinha, Paula Santos (22-41)

– Exploring portable ultrasonic pulse velocity avails in the conservation assessment of plaster sculptures in museum environment
António Mário Almeida, Mário António Pereira, Graça Vasconcelos, Salomé Carvalho, Rui Bordalo, Eduarda Vieira (42-59)

No âmbito da programação proposta para o mês de março, decorre no dia 9, pelas 11 horas, uma visita orientada à Casa-Museu Fernando de Castro, no Porto.

O acervo da Casa-Museu Fernando de Castro é constituído por diferentes coleções reunidas ao longo de várias décadas. É composto, maioritariamente, por arte religiosa com representações eruditas e de cariz popular, pintura naturalista portuguesa e artes decorativas. Destaca-se, ainda, um interessante núcleo de caricaturas e alguns livros da autoria de Fernando de Castro, colecionador, artista e poeta.

Fernando de Castro (Sé, 23 nov. 1888 – Paranhos, 7 out. 1946) foi um colecionador e empresário portuense reconhecido pela sua veia poética manifesta em publicações, com gosto pela leitura e inclinação para o desenho tendo criado várias séries de caricaturas.

Fernando de Castro viveu na rua das Flores junto da loja do pai, cujo negócio prosperou em vidros, espelhos e papéis pintados. Entre 1893-1908, o empresário empenhou-se na construção de uma nova casa situada na rua de Costa Cabral.

Desde cedo, Fernando de Castro cresceu dentro de um imaginário pleno de figuras de estilo e de ícones, em particular no que diz respeito ao mobiliário e recheio da casa de Costa Cabral— património que conservou e respeitou após a morte do pai em 1918.

Na idade adulta, desenvolveu os seus interesses culturais num círculo de amigos ligados aos negócios e com um gosto particular pelas artes e letras. Terá sido após a morte da mãe em 1925 que Fernando de Castro fez novas aquisições de peças.

A Casa-Museu Fernando de Castro é administrada pelo Museu Nacional Soares dos Reis desde 1952. As visitas estão sujeitas a marcação prévia. Saiba mais aqui.

A história do Museu Nacional Soares dos Reis cruza-se com diversos acontecimentos políticos, sociais e culturais de Portugal dos últimos 190 anos.

Nesta visita estabelece-se uma relação entre as obras e os artistas representados na Exposição de Longa Duração e esses acontecimentos, numa cronologia que se cruza também com a história do próprio edifício onde o Museu Nacional Soares dos Reis se encontra instalado: o Palácio dos Carrancas.

Sobre o Museu Nacional Soares dos Reis

O Museu Nacional Soares dos Reis tem origem no Museu de Pinturas e Estampas e outros objetos de Belas Artes, criado em 1833 por D. Pedro IV de Portugal, primeiro Imperador do Brasil, para salvaguarda dos bens sequestrados aos absolutistas e conventos abandonados na guerra civil (1832-34).

Com a extinção das ordens religiosas recolheram-se obras, entre outros, nos mosteiros de Tibães e de Santa Cruz de Coimbra. Conhecido como Museu Portuense, ficou instalado no extinto Convento de Santo António da Cidade, na praça de S. Lázaro, vindo a ser formalizado por decreto em 1836 por D. Maria II.

Em 1839, passou para a direção da Academia Portuense de Belas Artes, que promoveu uma série de exposições em que foram premiados notáveis artistas como Soares dos Reis, Silva Porto, Marques de Oliveira e Henrique Pousão, em sucessivas gerações de mestres e discípulos.

Com a proclamação da República passou a designar-se Museu Soares dos Reis em memória de um dos mais destacados nomes da Arte Portuguesa. Em 1932, passou à categoria de Museu Nacional, época marcada por uma reorganização significativa de Vasco Valente, através da incorporação dos objetos do Paço Episcopal do Porto (Mitra) e do Museu Industrial, bem como do depósito das coleções do extinto Museu Municipal. Segue-se, em 1940, a instalação do Museu no Palácio dos Carrancas, onde ainda se mantém.

José Zagalo Ilharco (Lamego, 1860 – Porto, 1910), fotógrafo amador, premiado internacionalmente com uma imagem do rio Souza, dedicou-se primordialmente à fotografia de paisagem, mas também à antropologia dos espaços, de que são exemplo as imagens agora reveladas do Porto e de Matosinhos.

As reproduções das melhores imagens que produziu foram reunidas em álbum pelo filho Norberto de Melo Zagalo Ilharco em dois volumes (1947) e, sendo propriedade dos herdeiros, são tornadas públicas num reconhecimento ao seu legado.

A seleção apresentada no Museu Nacional Soares dos Reis inclui, entre originais e reproduções, sobretudo paisagens de Matosinhos, Leça da Palmeira, Porto e Douro. Das imagens apresentadas destaca-se, igualmente, um núcleo de fotografias realizadas em 1893 do velódromo Maria Amélia, produzidas antes da sua inauguração nos terrenos do Paço Real do Porto, onde se encontra instalado, atualmente, o Museu Nacional Soares dos Reis.

Na nova exposição de longa duração, o MNSR propõe um percurso com duas leituras complementares. Uma primeira leitura, que reflete a sua história e a forma como as coleções foram sendo integradas, e numa segunda leitura são valorizados os artistas e as suas obras. A exposição apresenta um total de 1133 peças distribuídas por 27 salas.

Com autoria e apresentação de Paula Moura Pinheiro, o Visita Guiada conta a História do território português e das suas relações com o resto do mundo através do património histórico, material e imaterial.

‘No extremo ocidental do continente europeu, o território que há cerca de 900 anos passou a ser Portugal está, naturalmente, sobre-exposto ao contacto com outras geografias. As provas de uma extensa e complexa rede de relações com outros povos e culturas datam logo desde a pré-História e não param de se suceder: como em qualquer outro território, tudo o que se produziu e aconteceu no território português ao longo dos tempos está sempre, direta ou indiretamente, ligado a outros lugares e a outras gentes.

É essa leitura global, integrada da História e do património que Paula Moura Pinheiro procura junto dos melhores investigadores nas áreas da História, da Arqueologia, da Geografia, das Artes, da Arquitetura’.

Produzido pela RTP2, o Visita Guiada começou a ser emitido semanalmente em 2014.

Especializada em Arte Bruta, Arte Singular e Cultura Pop, a galeria francesa Halle Saint Pierre classifica o espólio dos colecionadores privados Richard Treger e António Saint Silvestre como “uma das mais importantes coleções europeias de Arte Bruta e Arte Singular”.

A exposição é comissariada por Martine Lusardy, que, dirigindo a Halle Saint Pierre desde 1994, reconhece à nova mostra – cujo título significa “O Espírito Singular” – “a magia de um intermúndio ao mesmo tempo familiar e desconhecido”.

Agnès Baillon, Henry Darger, Jacques Deal, Jaime Fernandes, Martha Grünenwaldt, David Houis, Foma Jaremtschuk, Alexander Lobanov, Marilena Pelosi e Adolph Wölfli são apenas alguns dos autores cujo trabalho se dará a conhecer na Halle Saint Pierre.

No Museu Nacional Soares dos Reis, a exposição Portreto de la Animo. Art Brut Etc. permitiu estabelecer uma relação entre as duas coleções, explorando distintos modos de representação da figura humana e da autorrepresentação através da arte, de universos pessoais e mundos interiores tão diversos, entre soluções formais canónicas e outras não convencionais.

A mostra integrou várias peças do acervo do Museu Nacional Soares dos Reis, colocadas em diálogo com as peças da Coleção Treger Saint Silvestre, de que são exemplo o Busto-Relicário de São Pantaleão; a Máscara mortuária de Soares dos Reis, de José Joaquim Teixeira Lopes; o Escarrador, de Rafael Bordallo Pinheiro; e o óleo Mãe e Filha, de Sarah Afonso; entre outras.

Como parte do eixo programático “Arte & Saúde” do Museu Nacional Soares dos Reis, a exposição foi complementada por um extenso programa de atividades de mediação, apoiado cientificamente pela Coordenação Nacional das Políticas de Saúde Mental, que incluiu visitas comentadas, conversas, oficinas e performance. No período em que esteve patente ao público registou um total de 35 mil visitantes.

Os adereços eram usados como adorno corporal, amuleto, forma de distinção social ou símbolo de poder. O par de Pulseiras de ouro e o Tesouro de Estela são relevantes testemunhos da história da Ourivesaria e dos metais nobres em Portugal.

Estas peças de joalharia comprovam que já se dominava o trabalho dos metais num passado mais longínquo. Evidenciando contactos com povos de culturas centro-europeias e mediterrânicas, refletem o conhecimento de formas e técnicas decorativas, bem como do processo da fusão de metais que se mantiveram até aos dias de hoje.

Ourivesaria do século XVIII

A exploração das minas de ouro e pedras preciosas no Brasil teve forte impacto na joalharia portuguesa a partir da primeira metade do século XVIII, refletindo o luxo e opulência de uma sociedade abastada. A Guarnição de corpete, joia de adorno da imagem de Nossa Senhora do Monte do Carmo de Lisboa, é uma expressão notável deste esplendor.

O gosto desmedido por joias vai repercutir-se na diversidade de adornos de uso pessoal, masculinos e femininos: gargantilhas, alfinetes e anéis, fivelas de sapatos, insígnias, entre outros.

No conjunto de peças de prata civil e religiosa sobressai a produção nacional com a representação de dois grandes centros – Porto e Lisboa. A expressão estrangeira cabe a artífices e oficinas de Itália e Alemanha.

Joias e acessórios de uso pessoal

As joias e os acessórios de uso pessoal do século XVII ao XIX acompanharam as alterações da moda europeia. No século XIX difunde-se o gosto pelas joias ligadas a momentos importantes da vida pessoal e à expressão de sentimentos, como os pendentes com retratos em miniatura servindo de lembrança de um ente querido ou acontecimento familiar. Os anéis eram usados como mero adorno ou símbolo de autoridade, de amor, viuvez ou amizade. As joias de temática religiosa podem incluir crucifixos ou pendentes com a Virgem, Cristo ou santos. As caixas de rapé (tabaco moído), algumas exibindo delicados retratos, testemunham o hábito generalizado deste consumo pela Europa.

O Museu Nacional Soares dos Reis apresenta, na rubrica A Peça do Mês – A Escolha do Público, a série «Esmaltes com cenas do Ciclo da Paixão de Cristo». As sessões comentadas, por Ana Paula Machado, decorrem nos dias 7 março (18h00) e 21 março (13h30). Inscrições a decorrer.

O esmalte pintado sobre cobre é uma arte do fogo, que se desenvolveu particularmente na segunda metade do século XVI, em França, na região de Limoges. Aí se estabeleceram numerosas oficinas de esmaltador.

Nesta sessão, vamos conhecer em pormenor a série de vinte e seis placas com cenas do Ciclo da Paixão de Cristo, que integra a Exposição de Longa Duração do Museu Nacional Soares dos Reis.

A série de 26 placas de esmalte pintado sobre cobre representa cenas da Paixão de Cristo, reproduzindo e recriando 24 das 36 gravuras que constituem a série denominada “Pequena Paixão”, da autoria do artista alemão Albrecht Dürer, publicada em 1511.

Estão atribuídos ao mesmo artista outras placas em esmalte, representado cenas da Pequena Paixão, como uma série da Wallace Collection, placas do Museu de Lyon, do Museu Hermitage de São Petersburgo e do Museu das artes Decorativas de Paris, entre outras.

As placas não são assinadas nem datadas, mas integram um grupo de peças atribuídas a uma mesma oficina, em Limoges, entre 1550 e 1625. Além das 26 placas do Museu Nacional Soares dos Reis, são hoje conhecidas cerca de 98 placas, (distribuídas por diversas coleções europeias), que se considera terem sido produzidas nessa oficina atualmente designada pelo nome de convenção “Oficina da Pequena Paixão de Santa Cruz de Coimbra”.

A série provém do Santuário do Mosteiro de Santa Cruz de Coimbra onde já se encontrava em 1752 e de onde foi retirada em 1834, na sequência do decreto de extinção das ordens religiosas. No Santuário do Mosteiro de Santa Cruz conserva-se ainda o elemento do altar em madeira em que as placas se inseriam.

O Museu Nacional Soares dos Reis promove mensalmente uma visita orientada, com tema incógnito. Os participantes são desafiados a explorar o Museu e as suas coleções, descobrindo outras narrativas e outros espaços. Este mês, a ‘Visita Incógnita’ está agendada para o próximo dia 3 março, pelas 11 horas, sendo orientada pela gestora de coleção Paula Oliveira. Inscrições a decorrer.

O Museu Nacional Soares dos Reis procura desenvolver a sua função de lugar de educação, mediante um programa articulado com as políticas públicas sectoriais respeitantes à família, à juventude, apoio às pessoas com deficiência, às instituições de ensino formal, turismo e combate à exclusão social.

O propósito é dar a conhecer o património presente nas suas coleções, permitindo que a comunidade o desfrute, mas também o compreenda, pelo envolvimento ativo – físico, intelectual e emocional -, construindo significados sobre as suas experiências.

Um programa que promova a função educativa no respeito pela diversidade cultural tendo em vista a educação ao longo da vida, a participação da comunidade, o aumento e a diversificação dos públicos.

Constituído por diferentes estratégias de educação e mediação, tais como visitas orientadas, oficinas, sessões comentadas, visitas comentadas, projetos de sensibilização ambiental e de mediação cultural, performances teatro, este programa fundamenta-se sempre nas coleções e procura explorar e desconstruir os conteúdos expostos visando a aproximação e a promoção do espaço museológico enquanto lugar de construção de conhecimento, de entendimento ou de simples fruição.

O barroco enquanto ideia pode ser melhor compreendido através de um díptico que confronta dois autores-arquitetos que nasceram, com um ano de diferença, na primeira dobra do dealbar do século barroco (XVI-XVII). A rivalidade e disputa entre ambos é histórica.

Este ciclo de duas aulas propõe-se retomar o que une estes dois adversários (que se respeitavam mutuamente) e cuja disputa ajudou ao desenvolvimento das respetivas expressões arquitetónicas individuais e, sobretudo, contribuiu para a mais espantosa reconstrução crítica da arquitetura clássica que o projeto Siza Barroco visa continuar.

Siza Barroco é um projeto de investigação que visa pôr em evidência a relação entre a ideia de Barroco e a obra de Álvaro Siza. Enquanto tendência na arte em geral e na arquitetura em particular, o Barroco quer construir um mundo novo com base no antigo que este crê não estar preparado para o presente e o futuro que há-de-vir. As relações entre a arquitetura de Álvaro Siza e o Barroco estão presentes em vários autores que escreveram sobre Siza, além de permanecerem no modo como o próprio Siza, referindo-se ao Porto e a Nasoni em textos escritos, anuncia o seu interesse e empenho em conhecer melhor a arquitetura e a cidade Barrocas.

José Miguel Rodrigues é arquiteto e professor catedrático na FAUP, onde leciona a disciplina de História da Arquitectura Moderna e, no âmbito do Programa de Doutoramento, Projecto de tese [perfil E]. É co-autor do projeto da Nova Aldeia da Luz (1995-2002). Desde 2011 desenvolve um projeto de tradução para português da obra escrita de Giorgio Grassi. Em 2013, publicou a tese de doutoramento ‘O Mundo Ordenado e Acessível das Formas da Arquitectura’ e em 2020 o livro ‘Palladio e o Moderno’, distinguido com o prémio FAD, pensamento e crítica (2021). Atualmente é director do Centro de Estudos de Arquitectura e Urbanismo da FAUP (CEAU-FAUP) e coordenador do grupo de investigação T2P, sendo o Investigador Responsável do projeto Siza Barroco.

Joana Couceiro é arquiteta, licenciada pelo DAarq/FCTUC (2005) e doutorada pela FAUP (2018). Foi colaboradora no aNC arquitectos e no atelier Pedra Líquida, sendo co-autora de obras já publicadas. É co-fundadora da editora de arquitetura Circo de Ideias (tendo integrado a equipa da direção até 2018) e da Pechakucha Night Porto. A convite da Casa da Arquitectura, foi curadora do V Open House Porto, com o epíteto ‘Vida Interior’. Entre 2013 e 2021 foi professora convidada de História da Arquitectura Moderna, na FAUP. Entre 2021 e 2023 foi investigadora na esad-idea e assistente de curadoria do programa de conferências das segunda e terceira edições da Porto Design Biennale. Atualmente é investigadora no CEAU, onde se encontra a desenvolver, enquanto Co-IR, o projeto Siza Barroco.

Créditos de imagem:

Francesco Borromini, desenho de San Carlo alle Quattro Fontane, Roma, 1660

Albertina Collection AZRom175

O Palácio dos Carrancas começou a ser construído em 1795. Em 1861, o Palácio dos Carrancas foi adquirido pelo rei D. Pedro V para passar a residência oficial da família real nas suas visitas ao Norte do País e foi remodelado.

Foi doado, em 1915, à Misericórdia, através do testamento de D. Manuel II, que pretendia aí construir um hospital, o que nunca chegou a concretizar-se. Mais tarde, o Estado comprou o palácio para aqui instalar o Museu Nacional de Soares dos Reis que tinha sido fundado em 1833 e funcionava no Convento de Santo António, atual Biblioteca Pública Municipal do Porto.

O Palácio das Carrancas foi novamente alvo de remodelações para a sua nova função e, em 1940, foi aqui inaugurado o Museu Nacional Soares dos Reis, o mais antigo museu público de arte em Portugal.

Entre 1992 e 2001, o edifício sofreu uma série de profundas remodelações da autoria do arquiteto Fernando Távora. No exterior há um pátio com paredes cor-de-rosa e azulejos que dá lugar ao jardim resguardado pelas paredes do edifício. O espaço verde com relvados dá total destaque às camélias.

Cada visita surge acompanhada de uma conversa com os arquitetos autores e outras personalidades ligadas aos espaços que vai permitir conhecer o processo de conceção, construção e recuperação das obras de um modo privilegiado.

Os edifícios representam algumas das mais relevantes intervenções recentes na cidade, da habitação até às infraestruturas, passando pelos edifícios destinados ao ensino, cultura, turismo e serviços municipais.

Todos eles são referências urbanas que, revelados e desvendados deste modo, pretendem inspirar intervenções futuras de qualidade e evidenciar o referencial de exigência que desejamos para a cidade que habitamos.

Todas as visitas são guiadas pelos arquitetos autores das obras e começam sempre às 16 horas. No final de cada visita, haverá lugar a uma conversa com um conjunto de personalidades ligadas às obras.

Mais informação aqui.

Créditos fotográficos: Câmara Municipal do Porto @Andreia Merca

Nesta sessão, estará em destaque a obra “Casas brancas de Capri”, de Henrique Pousão, contando com a participação de Ana Paula Machado, gestora da coleção de pintura do Museu Nacional Soares dos Reis, e de Francisco Araújo, aluno de Mestrado em Artes Plásticas na Faculdade de Belas Artes do Porto, e autor de cópias de pormenores da obra em questão, no âmbito da disciplina de Técnicas da Pintura.

Na sessão ‘A Pintura vista por quem pinta’ será feita uma apresentação breve da pintura do ponto de vista da História da Arte, seguida da análise das técnicas e modos de fazer, desafios, recursos e respostas do pintor. Os participantes serão depois convidados a visitar a obra “Casas brancas de Capri” no seu espaço de exposição.

O Programa «Olhares Cruzados sobre as Coleções» pretende fomentar espaços de reflexão participada, através do cruzamento de diferentes olhares, leituras e interpretações sobre as obras das coleções do Museu Nacional Soares dos Reis.

Tendo presente que cada um dos objetos que integra as coleções tem o poder de transmitir mensagens, despertar emoções e provocar reflexões sobre questões sociais, políticas ou mesmo filosóficas, o Museu Nacional Soares dos Reis considera que as peças que integram o seu acervo são um recurso fundamental na construção de conhecimento e entendimento, não só dos objetos em si, mas também da pessoa, das instituições e do mundo.

É este o ponto de partida que, ao longo dos próximos meses, permitirá lançar ‘Olhares Cruzados sobre as Coleções’, abordando temas tão diversos como ‘Liberdades e transgressões à luz de obras escolhidas de Cristóvão de Figueiredo, Domingos Sequeira e José Tagarro’; ‘A Pintura do Romantismo como documento etnográfico do Minho’ ou as ‘Artes decorativas portuguesas’.

 

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A história da utilização da cor está intimamente relacionada com a história dos pigmentos naturais e artificiais.

A cor em si é mais do que pigmento, pode ser cor luz, perceção, soma ou subtração de radiação. Trata-se de uma matéria de estudo muito interessante, quer para a compreensão da nossa perceção do mundo, quer para o entendimento da produção artística.

Os pigmentos dizem muito sobre uma obra de arte, e convidamo-lo a descobrir connosco todos os mistérios que esta matéria pictórica esconde.

‘Uma pintura, seja ela mural ou de cavalete, é formada por um conjunto de materiais de diferente natureza química organizados numa estrutura em camadas.

A face visível da pintura, onde se misturam cores e formas, é constituída pelas camadas mais superficiais, de que fazem parte o verniz, quando existente, por um lado, e os pigmentos, os corantes e os aglutinantes, por outro, camadas estas aplicadas sobre uma preparação, ela própria contendo pigmentos, e esta sobre o suporte ou então encontram-se estas camadas cromáticas diretamente colocadas sobre o suporte – que, em qualquer um dos casos, pode ser de tela, madeira, alvenaria, vidro, metal ou outro material.

Os pigmentos, no sentido restrito do termo, são geralmente materiais de origem inorgânica, cristalinos e insolúveis, utilizados pela cor que apresentam. Distinguem-se dos corantes, igualmente usados por causa da sua cor, pelo facto de estes serem materiais orgânicos normalmente solúveis’.[i]

[i] Cruz, António João. «A matéria de que é feita a cor. Os pigmentos utilizados em pintura e a sua identificação e caracterização» Comunicação aos “1.os Encontros de Conservação e Restauro – Tecnologias”, Instituto Politécnico de Tomar, 2000.

No âmbito da programação proposta para o mês de março, decorre no dia 2, pelas 11 horas, uma visita orientada dedicada à reestruturação em curso do Serviço de Documentação e Informação.

A Biblioteca e o Arquivo do Museu Nacional Soares dos Reis dispõem de um espólio muito diverso, sendo a sua principal missão gerir e fornecer a informação necessária à atividade do museu e à investigação académica.

Nesta visita, damos a conhecer o projeto – atualmente em curso – de remodelação dos serviços: os espaços, o acervo, os fundos documentais, a sua organização, arrumação e tratamento.

A Biblioteca é especializada em História da Arte, nomeadamente nas áreas temáticas das suas coleções — Pintura, Escultura, Artes Decorativas, Gravura, Desenho, Arqueologia — e ainda em História da cidade do Porto e Museologia.

O fundo documental é composto por obras de referência, monografias, publicações periódicas, catálogos de museus, catálogos de exposições, catálogos de leilões, teses académicas e ainda coleções de cartazes, postais e desdobráveis.

O Arquivo, reflexo da atividade e da história da instituição, divide-se em dois fundos, o do Museu Nacional Soares dos Reis e o do Museu Municipal do Porto. O tratamento e controlo da documentação e informação, bem como a consulta e divulgação são alguns dos serviços disponibilizados.

Entre 2010 e 2019, António Filipe Pimentel assumiu as funções de Diretor do Museu Nacional de Arte Antiga (Lisboa), e de Subdiretor-Geral do Património Cultural. Foi ainda coordenador científico da Candidatura da Universidade de Coimbra a Património da Humanidade UNESCO.

Galardoado com o Prémio Gulbenkian de História da Arte 1992/94, pela obra Arquitectura e Poder, o Real Edifício de Mafra, é académico correspondente nacional da Academia Nacional de Belas Artes, académico correspondente da Academia da Marinha e membro da Sociedade Científica da Universidade Católica Portuguesa. Conta com mais de três centenas de títulos publicados, em Portugal, Espanha, França, Itália, Inglaterra, Bélgica, Alemanha, Polónia, Eslováquia, Eslovénia e Brasil.

Inaugurada no passado dia 27 janeiro, a mostra coloca em diálogo a nova exposição de desenhos de Teresa Gonçalves Lobo com obras de Domingos Sequeira, o grande artista português da transição do século XVIII para XIX.

No diálogo que sustenta esta exposição, percebe-se como uma semelhante aproximação ao desenho e ao modo do riscar acontece nas obras destes dois artistas apesar da longa distância no tempo que os separa, mas cujo propósito de fazer nascer a forma desse uso do risco os aproxima.

Teresa Gonçalves Lobo nasceu em 1968 no Funchal. Vive e trabalha em Lisboa e no Funchal. Estudou desenho, pintura, gravura e fotografia no Ar.Co Centro de Comunicação Visual e no Cenjor, respetivamente. Encontra-se representada em diversas coleções, privadas e institucionais, em Portugal e no estrangeiro.

Miguel Ângelo Lupi nasceu em Lisboa a 8 maio de 1826, filho de pai italiano e mãe portuguesa. Aos 15 anos entra para a Academia de Belas Artes de Lisboa. De 1841 a 1843 foi aluno de Joaquim Rafael na aula de Desenho Histórico, tendo obtido dois prémios. Discípulo de António Manuel da Fonseca na aula de Pintura Histórica de 1844 a 1846, abandona nesse ano a Academia e passa a frequentar a Escola Politécnica.

Entre 1849 e 1860 exerceu vários cargos como funcionário público, um deles na província de Angola. Desses anos conhecem-se alguns trabalhos pouco relevantes no percurso do pintor. Em 1859, então com 33 anos, é convidado a realizar o retrato de D. Pedro V para o Tribunal de Contas de Lisboa, onde trabalhava. Com o agrado do rei e da Academia obtém o pensionato do Estado para completar a sua aprendizagem em Roma. Instalado no Hospício de Santo António dos Portugueses desde o Outono de 1860 até fins de 1863, nunca procurou o ensino direto de um mestre.

Interessado no estudo de anatomia, do nu e do retrato, copia, em pequenos formatos, obras de Ticiano, Corregio, Rubens, Andrea del Sartro, Velásquez. Trabalha também a partir do modelo vivo, cenas e figuras locais e esboça pequenas composições inspiradas em temas literários como Fausto e Margarida (MNSR). Prepara a prova final de pensionista – a pintura histórica D. João de Portugal.

No regresso de Roma e depois em 1867 visitou Paris. Este contacto revelou-se crucial na formação do pintor. Tocado pela corrente realista, particularmente pela obra de Courbet, introduziu nova intensidade na análise e interpretação dos temas que futuramente trabalhou, especialmente no retrato. Chegado a Lisboa em 1864, foi de imediato nomeado Académico de Mérito e professor de Desenho de Figura da Academia de Belas Artes de Lisboa, vindo em 1868 a ocupar o cargo de professor de Pintura Histórica que exerceu até à sua morte, ocorrida a 26 fevereiro de 1883.

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Foto Capa: Revista Occidente, Volume VI, Nº 153 de 21 de Março de 1883 – Hemeroteca Digital

De regresso ao Porto, concorreu ao lugar de Professor da Academia na cadeira de Pintura Histórica, aí iniciando uma longa carreira docente, abandonando-a como professor jubilado. Autor de uma vasta obra, distinguiu-se sobretudo como paisagista, pintor de trechos rústicos e animalista. Do retrato, de que é autor de uma vasta galeria, foi intérprete sóbrio.

Acácio Lino dedicou-se às grandes composições históricas, revelando preocupação pelo rigor histórico. A temática preferencial incidiu em grandes dramas da História de Portugal: o artista é autor do célebre quadro “O Grande Desvairo” (Câmara Municipal do Porto) que representa a tragédia de D. Pedro e D. Inês. Realizou trabalhos de decoração no Museu da Artilharia (1907) e no Palácio da Assembleia Nacional (1921 – 1922). No Porto, em colaboração com José de Brito, executou a pintura do teto da sala de espetáculos do Teatro Nacional de S. João.

Em Portugal, Acácio Lino expôs regularmente nos salões da Sociedade de Belas Artes do Porto, desde 1910 e noutros, como o Salão Silva Porto, recebendo a Medalha de Ouro de Mérito Artístico da Câmara Municipal. Em Lisboa, obteve a Medalha de Honra na Sociedade Nacional de Belas Artes, expondo “Moleirinhas da Minha Aldeia” e, consequentemente, foi nomeado professor na Academia Nacional de Belas Artes. O artista recebeu ainda a Comenda da Ordem de Santiago de Espada. Em 1943, a Sociedade Nacional de Belas Artes promoveu uma Exposição de Homenagem. Acácio Lino morreu no Porto, em 1956.

Imagens
Arrancada, Acácio Lino, 1928 @Museu Nacional Soares dos Reis
Palhaços Músicos, Acácio Lino, 1903 @Museu Nacional Soares dos Reis

Passou depois cerca de um ano em Paris, onde estudou com o célebre escultor François Jouffroy e, ao retornar, dedicou-se intensamente à cerâmica. Na Fábrica de Cerâmica das Devesas, da qual foi fundador, sócio e principal artista, criou um curso de desenho e modelação, o qual eventualmente deu origem à Escola Industrial Passos Manuel, em Vila Nova de Gaia.

Entre as suas numerosas obras, destacam-se a estátua de Passos Manuel em Matosinhos, a estátua de D. Pedro V, na Praça da Batalha do Porto; o relevo Baptismo de Cristo em bronze no batistério da Sé do Porto, estando o gesso original na Igreja Matriz de S. Mamede de Ribatua; o desastre da Ponte das Barcas, ocorrido em 1809;  as estátuas “União faz a força”, “Filho pródigo”, “Caridade”, “Conde Ferreira”, e diversas estátuas alegóricas.

José Joaquim Teixeira Lopes (pai do escultor António Teixeira Lopes e do arquiteto José Teixeira Lopes) foi também pintor de azulejos e criador de dezenas de figuras em terracota pintada, representando figuras e costumes regionais. Atendendo à grande quantidade de artistas a quem ensinou ou que com ele privaram, Teixeira Lopes (Pai) foi uma das mais influentes figuras da Arte em Portugal, no período do Romantismo.

Foi agraciado com a Ordem de Cristo, condecoração que lhe foi atribuída por El-Rei D. Luís, e ganhou diversos prémios em exposições nacionais e internacionais. José Joaquim Teixeira Lopes faleceu em 1918, em Vila Nova de Gaia, estando sepultado no jazigo-capela da família, na sua terra natal.

Foi um ceramista criativo e um inovador pedagogo, justamente considerado como o primeiro impulsionador da “Escola de Gaia” de escultura.

Foto @Direitos Reservados

Tomando como ponto de partida uma Merenda ao ar livre, tema popular que fazia eco das famosas “bambochatas flamengas”, nesta visita orientada vamos ao encontro da pintura dos Países-Baixos através de algumas das melhores obras dos Museus do Porto.

A visita será orientada por Paula Santos Triães no próximo dia 1 março, sexta-feira, pelas 11 horas. Inscrições a decorrer.

A pintura dos Países-Baixos do sul conheceu grande expansão a partir da cidade de Antuérpia (Bélgica), em torno da corporação de artistas Guilda de São Lucas. A produção repartia-se por especialidades em que a Pintura de História, Paisagem, Natureza-morta (objetos e seres inanimados) e temas de costumes alcançaram extraordinária difusão.

A burguesia procurava na obra de arte a representação do seu género de vida, que se traduziu na produção em série de cenas do quotidiano, interiores de catedrais e composições de flores e frutos.

No norte dos Países-Baixos (Holanda), sob influência da religião protestante, a pintura tende a ser mais austera e a desenvolver aspetos de metáfora, que conduzem a uma reflexão sobre a conduta humana.

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Natureza-morta, de Pieter Claesz, Século XVII, acervo do Museu Nacional Soares dos Reis

José Augusto França integra-o no segundo modernismo português, juntamente com Mário Eloy e Júlio Reis Pereira. Na pintura de Dominguez Alvarez reside uma espontaneidade que resulta numa composição de formas e cores aparentemente ingénua.

Fernando Lanhas caraterizou a produção do artista em diferentes fases. Na fase vermelha, iniciada em 1927, Dominguez Alvarez utilizou cores intensas e pouco trabalhadas, ao mesmo tempo que descreveu um paisagismo urbano e primário, de que é exemplo o Aspecto da Sé do Porto e a série das fábricas.

Numa outra fase, após algumas incursões inconsequentes no âmbito da abstração, mantendo o mesmo colorido, regressou ao paisagismo, com outra maturidade técnica, voltando ao Porto e às paisagens nortenhas como as de S. João da Ribeira em Ponte de Lima.

Em 1936, Dominguez Alvarez realiza no Salão Silva Porto a sua única exposição individual. Dois anos depois verá as suas obras recusadas na III Exposição de Arte Moderna do Secretariado de Propaganda Nacional, mas logo aceites na exposição do ano seguinte.

Em 1942, meses depois da sua morte, tem lugar, mais uma vez no Salão Silva Porto, a primeira exposição retrospetiva da sua obra, organizada, entre outros, por seu pai e os pintores Guilherme Camarinha e Dórdio Gomes e sob a égide do Instituto de Alta Cultura, na qual se expõem, sem seleção nem critério, cerca de 300 obras suas, e que será repetida no ano seguinte em Lisboa, na Sociedade Nacional de Belas Artes.

Nos anos 50 vários acontecimentos trazem para primeiro plano a sua figura de inconformista e solitário e dá-se a abertura da Galeria Alvarez, homenagem de Jaime Isidoro e António Sampaio. Nos anos 80, e à volta do centenário do seu nascimento, várias manifestações procuram posicioná-lo na arte moderna portuguesa. Assim a revista “Prelo”, da Imprensa Nacional Casa da Moeda, dedica-lhe um número e em 1987 a Secretaria de Estado da Cultura organiza, em Lisboa e Porto, uma exposição retrospetiva da sua obra.

Foto: Obras de José Dominguez Alvarez na Exposição de Longa Duração do Museu Nacional Soares dos Reis

Foto Capa: Autorretrato de José Dominguez Alvarez, óleo sobre cartão, sem data @Fundação Calouste Gulbenkian